“大忙人”——这是文汇报记者对上海音乐学院院长、上音歌剧院院长、男中音歌唱家廖昌永的直观印象。

上音原创歌剧《康定情歌》，这是廖昌永在20多年前就想做的舞台作品。在上音歌剧院，文汇报记者亲眼目睹廖院对该剧的全身心投入——与所有主创沟通细节，对师生走位表演展开细致的专业指导，在排演间隙接受声歌系学生的采访……他的时间安排精确到“分”，到了饭点只能喝上几口外卖鸡汤。

作为上音学科带头人、教授、院长的廖昌永，在校园里挥洒汗水。而在荧幕上，我们看到一个技艺精湛的歌唱家，一个知识渊博的导师——老牌音乐综艺《中国好声音》里，有他“格局很大”的专业点评；在央视《诗画中国》节目中，廖老师携手音乐剧演员阿云嘎，古装演绎《快雪时晴》，带领观众感受动人的师生情谊。

今天是教师节。廖昌永时常提起恩师周小燕对学生进行的“四门”教育——敞开心门、打破师门、走出校门、跨出国门。而当年，蔡元培、萧友梅、黄自等先贤，创办了上海音乐学院的前身国立音乐院，所秉承的宏愿是“一方输入世界音乐，一方从事整理国乐，期趋向于大同，而培植国民美与和的神志及其艺术”。

上音前辈和恩师们的理念，在廖昌永身上延续——“优秀音乐家一定是涉猎多学科的，得不断扩充和打破自己的外延，去和从事不同艺术门类的人交流学习”。用廖院长的话说，他参加《中国好声音》等节目，“是为我们学校的学科建设、人才培养做市场调研”。“大忙人”的日常，告诉了记者相互借鉴、交融发展的真谛。

“这不是一部简单的爱情戏，而是把个人生活、感情融入到火热的社会主义建设时期大背景下的一部作品，讴歌了‘两路’精神、民族团结，描摹了尚镛、嘎玛、次旺等那个时代的英雄群像。”在廖昌永上阵排演歌剧《康定情歌》的全过程中，有对教师团队、对学生的全方位带教，有对上音各学科联合作业的思考，凝结着他作为一名文艺表演工作者、音乐教育工作者，对自己的音乐事业所投入的理想信念。

廖昌永介绍说，为了这部作品在上海的首演，一个月来上音全体演职人员实行封闭式排练，严格执行学校的防疫规定，竭尽全力打磨演出的各个细节，希望给上海观众奉献一台高质量的歌剧。完成9月1日-4日上海的首演之后，该剧还计划在11月参加大凉山国际戏剧节，并且来到成都进行演出。“通过精心的筹备和排演，我们也希望四川当地的观众感受到我们创作的诚心和演出的用情。”

以下是廖昌永老师接受文汇报记者采访的实录（以廖老师第一人称呈现）

《康定情歌》坚持不用扩声，严格把关这部中国原创歌剧的音乐性

歌剧是以音乐为主导的一门综合性的艺术。这次排练期间，我主要是把关《康定情歌》歌剧化的专业表达。

根据上音歌剧院的声场特点，我们坚持不用扩声，因为这样才能体现歌剧的魅力，包括交响乐的肢体和层次感等创作技法，才能听得出来。像是演员站在哪个地方，既能满足声音好听，又能满足剧情的合理性，这些都需要很多技巧。

举例来说，合唱演员不能像参加音乐会那样排成一排，而是要在舞台上保持一定的队形，这就要考虑如何保持乐队和人声的平衡。如果不用扩声的话，舞美怎样才能让声场变得科学？这些都是我在创排时要思考的内容。

合唱的使用有些是表演性的；有些是功能性的，营造氛围；有些是作为背景的，远处传来一些歌声，对现场产生衬托。总的来说，这次《康定情歌》的合唱协作是非常漂亮的。

灯光对氛围的营造，有些是表现春天的、节日的氛围，有些是表达爱情的，还有些是月光下的画面……有些灯光只用剪影，有些一定要用暖光，还有些灯光是冷暖交织的，非常有层次感。假如像面光铺得太满了，灯光打下去，本来应该有棱角的、有柱形的或者有层次的看不出来，非得要把光收掉一些才行。

还有服饰文化，藏族女孩男孩在过节时和平时生活中穿什么样的衣服，上世纪50年代的大学生穿什么样的衣服……除了服饰还有建筑，都是和历史息息相关的。所以，在《康定情歌》的最后，大屏幕上会放一些历史上修路的照片，也是为了强化当年历史背景下的艰苦卓绝。

雪山之巅，当年修路的人们，每一公里都站着一个烈士的英灵。《康定情歌》舞台上为什么要有“大雪崩”？就是为了体现当年修路过程中的艰苦，那种环境的恶劣。我看到有张照片，人家都是拴着链子，吊在半山腰上去修路，不像现在有现代化的机械，那时全靠人凿出来的。所以我们这部歌剧里，有男主人公对心爱姑娘的祭奠，更有对英烈的祭奠……

我和李亭（《康定情歌》编剧）想了20年，要创作一部以歌曲《康定情歌》为主题的舞台作品，为什么20年都没有想好？因为我们想把《康定情歌》的外延扩大，想把作品的内涵变得更加丰富。

2020年，我和湘林（上海音乐学院作曲指挥系主任周湘林教授）一起去市里开会，我们想到了这百年来在党的领导下所取得的伟大成就，关于民族团结、汉藏民族融合，大家共同为理想去奋斗的历史，这些内容也体现在了《康定情歌》现在的剧本之中，让作品的内涵变得更加丰富。

我们的剧本其实是有点难的，因为时空切换比较频繁，所以我在排练时就跟李亭说，你给自己挖了多少坑在那儿？频繁切换，有时候会让观众感到神经错乱，但其实也给舞台带来了空间，它在切换的同时，让舞台有了很多可能性，让你觉得是意料之外情理之中的。

歌剧艺术，音乐的协作很重要。其实真正能抓住观众的心，音乐要起很大的作用，你得想方设法不让观众闪神儿。音乐的戏剧的魅力，有些时候就是大美无言的，你无法用语言去描绘它，而是音乐都给你补完了。有时候我们舞台作品制作者会有一个执念，就是什么都要交代清楚。可其实舞台上就是要有不合理，但是不合理，又是在情理之中的不合理。

当时我们在进行创作的时候，剧组一成立，编剧和作曲同时就开会了。歌剧，得有剧本的结构，有音乐创作的结构，这个结构里什么时候应该是独唱，什么时候应该是合唱，什么时候是重唱，什么时候是戏剧爆发高点，它是有起承转合的关系在里面的。

你剧本要有，我音乐设计也得有，比如在这一段里我需要有多少的重唱，需要有多少的独唱，我的演员不能一直站在台上。假如一个主演从头演到尾，这也是很无聊的一件事。

我们研究一下国外的所有歌剧，大多数的男主角在台上不超过40分钟。当然像《茶花女》这样的是例外。《茶花女》就是从一开场的《饮酒歌》开始到最后结束，男主角几乎是贯穿在台上，感觉好像没下过台似的，非常费力。但是你看其他的歌剧，主角在台上的演出不太会超过40分钟，你得合理安排演员。

我们的主创在写歌剧的时候，角色不能来一段就是高音，这是受不了的，主角也要唱废掉的。音乐结构也是有戏剧结构的，因为它不是歌，首先它是个剧，在剧里它的主题是会交织发展的。他的动机怎样散发延伸，它是有音乐的体系在里边的，所以像以前的作曲家威尔第、普契尼跟歌剧的剧本作家，简直就是不停吵架，永远到最后就是拔刀相向的。

打开内心的围墙，恩师周小燕先生90岁依然想学最新的知识

艺术是什么？艺术是来源于生活而高于生活的，艺术创作包括艺术演唱是需要技术的。《中国好声音》节目组会邀请声乐教师作为导师之一，其实节目组也想体现这个舞台上的“好声音”是丰富的，不仅仅有流行音乐的好声音，还应该有多种多样的音乐门类得到体现。

像是国外的音乐节目《The voice》，其中有唱歌剧的，也有唱《You raise me up》这样的流行歌曲的，还有soul（灵魂乐）、bruce（蓝调音乐）、R&B（节奏蓝调）等等，节目所展现的是多种形式的音乐。

就像我们说的美声Bel Canto（意大利语），其实讲的是美好的歌唱，讲的是我们用美好的声音去表达作品。至于这种表达是用什么样的技术？是用不扩声的技术，民族演唱的技术，还是用重金属、轻摇滚，或是像小野丽莎那样的风格，其实不重要。关键在于，你的技术运用是对这个表达有用的，这才是最重要的。

对于我自己而言，一个音乐家不能只把自己限制在一个小框框里，还是应该要多元化发展。当年，蔡元培、萧友梅、黄自等一代先贤，创办了中国第一所独立建制的高等音乐学府——上海音乐学院的前身国立音乐院，所秉承的宏愿就是“一方输入世界音乐，一方从事整理国乐，期趋向于大同，而培植国民美与和的神志及其艺术”。这段话放在今天来看，指的就是要相互借鉴、交融发展。

音乐和音乐类型之间要相互借鉴，不同的艺术门类之间也要相互借鉴。不能说我是唱歌的，就只能唱歌。其实，要把一首歌唱好，需要很多内在的东西来辅助你，包括文学、历史、戏剧等等。不然你怎么去表达它？你还要去涉猎多种音乐类型。

比如我现在要唱一个意大利作品，那我就要对意大利作品的音乐风格有所了解。我现在要唱一个四川民歌，要唱一个西南地区的作品，就要对西南地区的音乐民族音乐风格有所了解，不然唱得不像，就会“洋泾浜”的。我要唱新疆民歌，就要对西北新疆这一块，它的主要调式和声，主要特色的旋律有所了解。当我唱起来的时候，人家说“好像是的”，那说明你的风格没有跑得太远。

作为一个艺术家，学习是永远没有尽头的。就像我们周小燕老师90岁的时候，她还跟我说，“小廖，你出去演出的时候，给我带点最新的录像带、录音带回来让我听一听，我不愿意自己跟现在这个世界离得太远了”。活到老学到老，我们应该是要善于学习的。

作为一个教育工作者，特别是作为一个校长，现在我们学校里不只有传统音乐的专业，像以前的管弦、钢琴、声乐、民乐等等，我们现在有很多新兴专业和科系，比如电子音乐作曲专业、现代器乐与打击乐系、音乐工程系、数字媒体学院、音乐剧系等等。我需要知道每个学科的专业特色，以及它们在社会上的发展现状。

现在的音乐行业动态是什么样的？我的学生毕业以后到哪里去？行业导师我们要请哪些人？我们不是经常说，“我是谁，为了谁，服务谁”。如果我作为校长连这些都不知道，那怎么去培养人才和服务大众呢？这就是我去参加《中国好声音》的初衷。

其实，参加包括《中国好声音》在内的节目，也是为学校的学科建设、人才培养做市场调研，看看是否能跟我们的学校发展有一些结合。确实，我也在参加节目的过程中交到很多朋友，也看到了很多现在我们音乐发展当中，或者说我们的认知当中存在的差异，对于学校今后的发展，对行业之间的交流合作，乃至不同音乐门类之间的交融是有帮助的。

周小燕先生常对我们进行“四门”教育——敞开心门、打破师门、走出校门、跨出国门。要把我们心里的围墙打开，去跟不同门类的人，比如学习音乐、艺术或美学类型的人交融。一个艺术家一定是涉猎多学科的，也得不断地、不断地去扩充和打破自己的外延。

我们经常说，读书要把薄书读厚，然后再把厚书读薄。当你的知识面广了，知识厚度深了，那么这个过程，就跟我们说“看山是山，看山是水；看山不是山，看水不是水；看山还是山，看水还是水”一样的，这是返璞归真的一个过程。

参加录制《中国好声音》的过程，不论是从自己的演出演唱上，对自己的教学上，还是对学校办学的定位上，在朋友圈的扩大上，对我都是有一些启发和帮助的。当然，作为校长和教师，还是要知道自己的主业是什么，我所做的所有这一切，都是为了我的主业而服务的。

《诗画中国》节目携手演绎《快雪时晴》，阿云嘎说“廖老师就是我的老师”

“我不知道古人的生活是什么样的，但我们知道师生情谊是什么样的，廖老师就是我的老师。”音乐剧演员阿云嘎说。

在不久前播出的大型文化节目《诗画中国》中，廖昌永与阿云嘎将舞台改造成剧场，以精妙的音乐短剧形式，用独唱及二重唱的层层递进式唱段，演绎着赵孟頫和黄公望的故事，带领观众感受这份动人的师生情谊。这首佳作的词曲作者是上海音乐学院音乐戏剧系主任安栋教授。

舞台上，快雪时晴的画卷缓缓铺展开。廖昌永化作赵孟頫，执笔题字，挥斥方遒，传绝学、赠期许，醇厚的嗓音引观众入故事情境。阿云嘎也化身黄公望，抚今怀昔，点墨成画，盼恩师踏雪而来，悠扬的唱段却有着诉不尽的思念。而后恩师入画，爱徒凝望，曲调扬起，绝美二重唱中二人高昂的歌声荡气回肠，观众的心也随之一齐扬起。

王羲之作《快雪时晴帖》，赵孟頫仿字，黄公望绘画，后世又将字和画合璧成卷。在瞻仰几百年前的《快雪时晴书画合璧》卷时，我们仿佛与古人置身同一场云开雪霁的画卷中，古今交汇，融所感所想。

“快雪时晴”的传递正如廖昌永所说，“是中华文化的一个传承，代表了前一辈对后一辈的影响、认可和期许”。前人随手写下的短信是漫漫艺术史第一个落笔点，后世文人接过笔杆洋洋洒洒写下他们的体悟，百转千回间厚重的卷轴层叠，形成千年中华文明珍贵的艺术瑰宝。

“人生是一场快来快去的雪，一片雪花一个崭新的世界。”《诗画中国》的舞台上这样唱着。而《快雪时晴诗画合璧》卷中的“雪”，依次串连起帖、字、画三种艺术形式，承载着愉悦的心境、思念与希冀，衔接起历史上三位伟大的艺术家，也印证了艺术融合的缘分。

阿云嘎说，“廖老师是我的老师”，其实，文汇报记者深有同感。今年5月，记者在家中上了一堂课——廖昌永老师云端开讲《共鸣·共情·美好的歌唱》，再现他的恩师周小燕先生执教珍贵画面。

“当你用真情去演唱作品，创作者和观众都会给你最真挚的反馈。”正如廖老师所说，音符是他生命中流淌的深情，我们也期待着，廖老师在未来带给我们更多“声”入人心的好音乐。

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